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Arte (52)

Un pequeño cuadro del artista florentino Leonardo da Vinci, el ya célebre Salvator Mundi, pulverizó todos los récords del mercado de arte, al ser rematado por la casa Christie’s en 450.3 millones de dólares.

Bastaron apenas 19 minutos para que el lienzo de cinco siglos de alcanzara la astronómica cifra, reduciendo a cenizas el récord anterior en remates, de 179.4 millones de dólares por "Les femmes d'Alger (Versión O)", de Pablo Picasso, alcanzado en un remate en 2015.

La propia Christie’s esperaba que Salvator Mundi recaudara unos 100 millones de dólares. El cuadro, de 65 por 45 centímetros pintado sobre una base de nogal, había sido negociado por apenas 45 libras esterlinas en 1958.

El cuadro fue atribuido a Leonardo por un grupo de expertos en 2005.

El valor alcanzado por esa obra superó todas las expectativas. Dos pinturas –un De Kooning y un Gauguin– que habían sido negociadas de forma privada por unos 300 millones de dólares en 2015, habían sido consideradas las más caras.

El propio Salvator Mundi había sido comprado por el millonario ruso Dimitri Rybolovlev por 127.5 millones de dólares al galerista suizo Yves Bouvier, quien a su vez había pagado poco antes unos 80 millones de dólares por la obra.

Sin embargo, Rybolovlev y Bouvier están enzarzados desde entonces en una batalla judicial: el empresario ruso acusa al comerciante de arte de haberse quedado con márgenes exorbitantes sobre las obras que vendía.

A media subasta, la cuestión se convirtió en un duelo entre dos compradores anónimos que hacían sus ofertas por teléfono.

Ya cuando se superaron los 200 millones de dólares el público –que excepcionalmente incluía personas poco habituadas a la atmósfera de estos remates– pasó a acompañar en vilo el duelo.

El precio alcanzado por Salvator Mundi es tan excepcional como la propia historia de la obra.

Las 10 obras más caras

1. Salvator Mundi, de Leonardo da Vinci, vendido el 15 de noviembre de 2017 por 450.3 millones de dólares en Christie’s de Nueva York.

2. Las mujeres de Argel (versión 0),óleo de Pablo Picasso, vendido por 179.4 millones de dólares el 11 de mayo de 2015 en Christie’s de Nueva York.

3. Desnudo acostado, de Amedeo Modigliani, vendido por 170.4 millones de dólares el 9 de noviembre de 2015 en Christie’s de Nueva York.

4. Tres estudios de Lucian Freud,un tríptico de Francis Bacon, vendido por 142.4 millones de dólares el 12 de noviembre de 2013 en Christie’s de Nueva York.

5. El grito, de Edvard Munch, vendido por 119.9 millones de dólares el 2 de mayo de 2012 en Sotheby’s de Nueva York.

6. Un cuadro sin título de Jean-Michel Basquiat, vendido por 110.5 millones el 18 de mayo de 2017 en Sotheby’s de Nueva York.

7. Desnudo, hojas verdes y busto,de Pablo Picasso, vendido por 106.4 millones de dólares el 4 de mayo de 2010 en Christie’s de Nueva York.

8. Accidente de auto plateado (doble desastre), de Andy Warhol, vendido por 105.4 millones de dólares el 13 de noviembre de 2013 en Sotheby’s de Nueva York.

9. Muchacho con pipa, otra obra maestra de Picasso, vendida por 104.2 millones de dólares el 5 de mayo de 2004 en Sotheby’s de Nueva York.

10. Nurse (Enfermera), un cuadro icónico de Roy Lichtenstein, vendido por 95.37 millones el 9 de noviembre de 2015 en Christie’s de Nueva York.

Este martes 5 de septiembre, a la edad de 87 años de edad, falleció Fernando Rodríguez Lago, el artista poblano con más de seis décadas de trayectoria en la pintura, la escultura y el muralismo, técnica que lo ubicó como el máximo exponente de Puebla.

El que fuera colaborador de Diego Rivera nació el 14 de febrero de 1930. A temprana edad, en la etapa escolar, supo de la posibilidad de combinación de los colores. “Fue así como me enamoré de este arte”, dijo entrevistado por esta casa editorial en marzo de 2010.

Alguien, no recuerda quién, le dijo una vez en tono irónico: ¡Ya sólo falta que pongan a las mujeres en un museo! Pues bien, ahí lo tiene: un recinto en México dedicado a contar la otra historia: la de las diosas y las heroínas.

Para rematar, señala Patricia Galena, directora del Museo de la Mujer, éste no es el único. En el mundo hay otros 67 y en el país hay proyectos para crear otros 18.

La historia de México (y del mundo) también está hecha por ellas, y la violencia contra ellas ha sido también histórica. Entender esas dos realidades puede ayudar a erradicar las prácticas machistas, y la museografía es un excelente medio para dar a conocer esos problemas, estima.

Hemisferios es el nombre de la pieza de 2014 con la que la artista Silvia Gruner (México, 1959), referente en México del videoarte, las artes performáticas y la fotografía conceptual, entrecruzó los jardines de su casa con un hijo rojo para hablar sobre asuntos como lo individual y lo colectivo, lo artístico y lo racional, lo tejido y lo destejido, lo ordenado y lo desordenado, así como la aparente repetición de una acción sin sentido que delinea su quehacer artístico, o el espacio y el tiempo que prefiere análogos.

Hemisferios: apuntes para un laberinto es ahora el título de la exposición que el próximo sábado 29 de octubre a las 12 horas, con una charla de las curadoras Tatiana Cuevas y Gabriela Rangel, abrirá en el Museo Amparo como parte de su apuesta por “presentar lo más representativo del arte contemporáneo”, como señaló su director, Ramiro Martínez.

En ella se exhiben 36 piezas que refieren a los últimos 30 años de producción artística de Gruner, obras que incluso, en algunos de los casos, son vistas por primera vez por la artista como parte de un montaje, ya que dicha muestra significa la primera exposición integral de su trabajo desde el año 2000.

El Museo Nacional de San Carlos presenta por primera vez en México una exposición dedicada a Lucas Cranach, pintor que revolucionó el Renacimiento alemán y que representa al cisma con El Vaticano que encabezó Martín Lutero.

Es un hecho extraordinario, pues la delicadeza de las piezas, muchas de ellas maderas, dificulta el traslado de las obras realizadas a finales del siglo XV y a principios del XVI.

Integrada por 25 piezas, provenientes de dos museos internacionales, el de Arte de Filadelfia y el Nacional de Bellas Artes de Cuba, de colecciones nacionales y del propio San Carlos, la exposición Lucas Cranach: sagrada emoción, será inaugurada el viernes 28 de octubre, en el recinto ubicado en Puente de Alvarado 50, en la colonia Tabacalera.

Al celebrar su 76 aniversario, el Banco Central de Venezuela exhibe el cuadro “Desnudo y hombre sentado” (c. 1969), del artista plástico español Pablo Picasso, quien nació el 25 de octubre de 1881. La pieza permanecerá en exhibición hasta el último día del presente octubre.

El pintor español es reconocido como uno de los máximos creadores de la historia de las artes plásticas, creador del cubismo, movimiento que significó una ruptura con el arte tradicional, aunque igual exploró en muchos otros sentidos de la creatividad y mantuvo una posición comprometida con su realidad.

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, hijo del también artista José Ruiz Blasco, y para 1895 su familia se trasladó a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, según información del sitio electrónico biografiasyvidas.com.

El cine producido en México, Colombia, Uruguay, Argentina, Brasil, Chile o Perú, país en el que particularmente ha despegado una fuerte industria cinematográfica, se caracteriza por ser un “cine de la disyuntiva” preocupado no por emitir un juicio o una postura política y/o panfletaria, sino en poner y contar la realidad con historias que parten desde el afecto y las cuestiones del entorno, que gusta de contar el estado de ánimo y proponer la comprensión de algo.

Lo anterior, fue considerado por José Luis Solís, director artístico del festival Ternium de cine latinoamericano, un proyecto que se afianza en Puebla y llega a su tercera edición del 21 al 23 de octubre en el Museo Amparo, espacio que lo ha acogido desde 2014.

Este año, destaca, habrá una función especial al aire libre programada para el sábado 22 de octubre a las 20 horas con la proyección del largometraje de animación chileno El niño y el mundo, de Ale Abreu, nominada al Oscar.

Thursday, 20 October 2016 00:00

Adan y Eva, la obra de arte que causa polémica en Uruguay

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Una pintura en la que aparecen el ex presidente José Mujica (2010-2015) y su esposa Lucía Topolansky desnudos desató una polémica en Uruguay, luego de que la policía se presentara en la galería donde era exhibida.

El cuadro Génesis Uruguay I, del artista plástico Julio de Sosa, de 37 años, exhibe a dos personajes de cuerpo bastante estilizado con los rostros de Mujica y Topolanski, ambos tapados de la cintura para abajo con hojas y ella sosteniendo una manzana en su mano derecha.

La galerista Diana Saravia, de la galería homónima en la que se exhibía la obra, dijo el jueves a la AFP que el cuadro fue retirado de la vista pública "por pedido del comisario de (la) Jefatura" de Montevideo.

El cineasta Jonás Cuarón y Damián García, su director de fotografía, hacen que las vastas extensiones de arena se vean desoladoramente hermosas en Desierto, pero no hay nada hermoso ni redentor en la historia que cuenta la película.

Es la horrorosa historia de un grupo de migrantes que desde México cruzan la frontera para llegar a Estados Unidos mientras un demente, armado con un rifle, los espera para recogerlos. Ese hombre lleno de furia (Jeffrey Dean Morgan) va conduciendo su camioneta acompañado de un perro bien entrenado y, por motivos que jamás quedan claros, ni se exploran, decide comenzar a matar a los migrantes, quienes van caminando porque la camioneta de su traficante se descompuso.

Como obras contestatarias, que usualmente se ven sobre los muros y cuya realización es común durante las noches, es como podría pensarse el esténcil, una manifestación del arte urbano que ha tenido un gran desarrollo en Oaxaca, especialmente en la última década.

Sin embargo, esta expresión ha cambiado, de tal forma que se ha logrado una especialización y el verlo no es exclusivo de las calles, como sucede ahora en espacios como la galería Cuatrosiete, donde se exponen varias piezas, resultado del segundo Encuentro Esténcil México, realizado en agosto pasado en la Ciudad de México.

Así, se pueden ver piezas de mediano formato con temas diversos: naturaleza, política, sociedad, entre otros, hechas por artistas de varias partes del país.

Algunas eran grandes escritoras como «Madame» de Lafayette pero apenas escribieron cartas, mientras que otras vertieron todo su arte literario en un epistolario que todavía hoy nos asombra, como «Madame» de Sévigné. Algunas fueron muy religiosas, como «Madame de Longueville», que «aprovechaba toda oportunidad para humillarse que se le presentaba», mientras que otras, como Ninon de L’Enclos, disfrutaron de la vida con pasión incontenible. Algunas, como «Madame» de Lafayette y «Madame» de Sévigné, fueron amigas inseparables mientras que otras, como «Madame» Du Deffand y «Mademoiselle de Lespinasse», se odiaron a muerte. Algunas dejaron una vasta obra literaria, como «Madame» de Staël, mientras que otras, como «Madame» de Geoffrin, apenas escribieron nada.

Entre cisne y nube

De todas se dice que eran muy bellas, aunque viendo sus retratos no siempre a nosotros nos lo parecen: «Madame» de Sévigné, por ejemplo, aparece radiante en el retrato de Lefèbvre; «Madame» de Geoffrin, esplendente en el de Nattier; «Madame» de Staël, voluptuosa en el de Massot, por no hablar de la fascinante «Madame de Récamier» de David (cuyo cuerpo ingrave Magritte convertiría en un féretro sedente) y esa especie de sueño entre cisne y nube que es la «Madame» de Récamier de Gerard, retratos fastuosos e idealizados, como el maravilloso que le pintó Quentin de La Tour a la célebre «Madame» de Pompadour, sobre todo si lo comparamos con los más realistas de Boucher.

Pero realmente ¿es importante que estas mujeres fueran bellas o no lo fueran? ¿No son bellos todos los seres humanos, o lo son al menos para aquellos que les aman? Pienso que cuando se trata de hombres nunca se repara en si son guapos o no, pero me doy cuenta de que no es cierto, y que al hablar de Pushkin siempre se menciona su tez agitanada y al hablar deKeats su pequeña estatura, y que siempre somos conscientes de que Tolstói era feo y de que Lord Byron era guapo aunque tenía un pie deforme. Somos, en fin, materialistas y vanos.

Ya decíamos, hace unas semanas, que Renoir iba a convertirse en uno de los protagonistas del otoño artístico en España. Abrió plaza la Fundación Mapfre el mes pasado con una muestra en su sede de Barcelona, que reúne 40 obras del pintor francés (más 30 de otros artistas), todos ellos préstamos de los Museos d’Orsay y de l’Orangerie de París, que atesoran la mayor colección de Renoir, tras la Fundación Barnes de Estados Unidos. Ahora le toca el turno al Museo Thyssen, que también ha organizado una monográfica del pintor. En este caso podrán admirarse, hasta el 22 de enero de 2017, 78 obras, procedentes de museos de todo el mundo, como el Metropolitan de Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Getty de Los Ángeles, el Pushkin de Moscú o la National Gallery de Londres, entre otros. La muestra, que cuenta con el mecenazgo de Japan Tobacco International, viajará después al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

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«Después del almuerzo», de Renoir- STÄDEL MUSEUM, FRÁNCFORT

Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen y comisario de la exposición, explica que Renoir, pese a ser uno de los más grandes pintores de la Historia y uno de los más grandes maestros del impresionismo, junto a Monet, «sigue siendo un incomprendido, detestado por muchos. Salvo algunos de sus iconos, su obra no ha llegado del todo al público». En contra de lo que suele pensarse, que es un pintor demasiado fácil, cree Solana que «se ha vuelto el más difícil de los impresionistas. Por eso hemos hecho esta exposición tan tarde, después de las dedicadas a otros impresionistas y postimpresionistas: Sisley, Monet, Pissarro, Van Gogh, Cézanne, Caillebotte... Y las seguiremos haciendo. Me ha costado mucho escribir el texto sobre Renoir para el catálogo, ha sido muy complicado».

Contra intelectuales y feministas

Retrata el comisario al artista como un hombre que priorizaba los sentidos por encima de todo, que tuvo prejuicios contra los intelectuales («creía que eran tarados, incapaces de ver, oler, tocar..., gente a la que no le funcionaban los sentidos») y cuyas declaraciones antifeministas tampoco le favorecieron. Prefería que las modelos no pensaran. Pese a que la vida no le trató demasiado bien (único de los impresionistas cuyo origen fue humilde, padeció al final de su vida una artritis reumatoide que deformó sus manos y le dejó inválido), «su obra siempre tiene un espíritu celebratorio, es un himno a la vida». El heroísmo de Renoir no consistía, precisamente, en hacer una pintura trágica, sino gozosa, placentera. El intenso dolor que padecía solo se mitigaba mientras pintaba. «Me gustan los cuadros que me dan ganas de pasearme por ellos. La obra de arte debe apresarte, envolverte, llevarte», decía.

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«El almuerzo de los remeros», de Renoir- ART INSTITUTE, CHICAGO
 

El título de la exposición, «Renoir. Intimidad», se debe a un rasgo central en todas sus obras: el deseo deproximidad, de cercanía, la intimidad y empatía con sus modelos. No solo humanos, puntualiza Solana, también con las manzanas o un ramo de rosas. «Entraba en sintonía con todo lo que pintaba. Y traslada esa intimidad al espectador, que se siente invitado a la escena pintada».

Intimidad y sensualidad. Una pintura que invita a los sentidos: no solo el visual, también el táctil. Muchas de sus modelos, carnales y voluptuosas, juegan con sus largas melenas que enredan entre sus dedos. «Mi padre miraba las flores, las mujeres, las nubes del cielo como otros hombres tocan y acarician», escribió Jean Renoir.

Una mirada a los clásicos

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«La fuente», de Renoir- COLECCIÓN E. G. BÜHRLE, ZÚRICH

Dividida en seis apartados, dos de las salas del Museo Thyssen muestran su faceta como pintor impresionista, las más conocida. Pero tan solo permaneció en el grupo de 1869 a 1880. A esta etapa pertenecen préstamos tan destacados como «Después del almuerzo», «Almuerzo en el restaurante Fournaise (El almuerzo de los remeros)», «Baños en el Sena» o «Retrato de la mujer de Monet». Pero, como les pasó a otros muchos de sus colegas (Picasso incluido), regresó al orden, sintió que debía volver la mirada a los clásicos: Rafael, Miguel Ángel, Ingres...

Advierte Solana que en esta exposición «será un descubrimiento el Renoir retratista. Aunque es irregular. Junto a retratos geniales, si no tenía empatía con el retratado sus obras solo eran aseadas, no eran geniales». Hizo numerosos retratos por encargo de la alta sociedad parisina de la época, entre ellos varios miembros de la familia de Paul Durand-Ruel, el marchante francés que más apoyó al grupo impresionista. No falta una selección de suspaisajes, un descanso en su casi obsesiva dedicación a la figura humana.

La intimidad está presente en la muestra de dos formas bien distintas. En realidad, de tres. Por un lado, sus escenas de género protagonizadas por mujeres en la intimidad de su casa dedicadas a los placeres cotidianos: en la toilette, cosiendo, leyendo, tocando un instrumento... Por otro, escenas domésticas familiares centradas en su esposa, Aline; sus hijos (Pierre, Coco, Jean) y la niñera de estos, Gabrielle, una de sus modelos favoritas; o Andrée Heuschling, quien acabó casándose con Jean Renoir. En la última etapa de su vida, este viejo voyeur se cuela en la intimidad de unas jóvenes y lozanas bañistas, que exhiben sin pudor sus voluptuosos cuerposdesnudos. El impresionismo no abordaba el desnudo, pues lo consideraba académico. Sin embargo, Degas y Renoir hicieron caso omiso y desnudaron a sus musas. «Renoir se reconcilia con la tradición -comenta Guillermo Solana-, reaprende la pintura de la mano de Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Rubens... Se midió con los maestros antiguos para hallar un lugar en la tradición. Pero sus desnudos son aún mal comprendidos».

Multisensorialidad

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«Mujer al piano», de Renoir- ART INSTITUTE, CHICAGO

Cierra la exposición una pequeña sala multisensorial, «Un hermoso jardín abandonado», en la que se ha hecho una reproducción táctil de una de las obras que cuelgan en la exposición,«Mujer con sombrilla en un jardín», de la Colección del Museo Thyssen, que el visitante podrá tocar como haría un invidente. También se puede oír el canto de los pájaros u oler el aroma de rosas, amapolas, lirios, margaritas o simplemente la hierba. «Puede parecer algo naif, pero seguramente le habría gustado a Renoir», apunta el comisario.

Preguntado acerca de la exposición que la Fundación Mapfre dedica a Renoir en Barcelona, dice Solana: «Esta exposición cubre toda la producción del artista con préstamos de museos de todo el mundo. La de Mapfre es una selección de una colección, la de los Museos d'Orsay de l'Orangerie. Al igual que la que hizo el Prado en 2010 con fondos de la colección Clark. Pero, para mí, una retrospectiva no es una selección de tesoros de una colección. Es otra cosa: se solicitan préstamos allá donde estén». La muestra se completa con un ciclo de cine: todos los sábados, del 5 de noviembre al 10 de diciembre.

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