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Thursday, 20 October 2016 00:00

Adan y Eva, la obra de arte que causa polémica en Uruguay

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Una pintura en la que aparecen el ex presidente José Mujica (2010-2015) y su esposa Lucía Topolansky desnudos desató una polémica en Uruguay, luego de que la policía se presentara en la galería donde era exhibida.

El cuadro Génesis Uruguay I, del artista plástico Julio de Sosa, de 37 años, exhibe a dos personajes de cuerpo bastante estilizado con los rostros de Mujica y Topolanski, ambos tapados de la cintura para abajo con hojas y ella sosteniendo una manzana en su mano derecha.

La galerista Diana Saravia, de la galería homónima en la que se exhibía la obra, dijo el jueves a la AFP que el cuadro fue retirado de la vista pública "por pedido del comisario de (la) Jefatura" de Montevideo.

El cineasta Jonás Cuarón y Damián García, su director de fotografía, hacen que las vastas extensiones de arena se vean desoladoramente hermosas en Desierto, pero no hay nada hermoso ni redentor en la historia que cuenta la película.

Es la horrorosa historia de un grupo de migrantes que desde México cruzan la frontera para llegar a Estados Unidos mientras un demente, armado con un rifle, los espera para recogerlos. Ese hombre lleno de furia (Jeffrey Dean Morgan) va conduciendo su camioneta acompañado de un perro bien entrenado y, por motivos que jamás quedan claros, ni se exploran, decide comenzar a matar a los migrantes, quienes van caminando porque la camioneta de su traficante se descompuso.

Como obras contestatarias, que usualmente se ven sobre los muros y cuya realización es común durante las noches, es como podría pensarse el esténcil, una manifestación del arte urbano que ha tenido un gran desarrollo en Oaxaca, especialmente en la última década.

Sin embargo, esta expresión ha cambiado, de tal forma que se ha logrado una especialización y el verlo no es exclusivo de las calles, como sucede ahora en espacios como la galería Cuatrosiete, donde se exponen varias piezas, resultado del segundo Encuentro Esténcil México, realizado en agosto pasado en la Ciudad de México.

Así, se pueden ver piezas de mediano formato con temas diversos: naturaleza, política, sociedad, entre otros, hechas por artistas de varias partes del país.

Algunas eran grandes escritoras como «Madame» de Lafayette pero apenas escribieron cartas, mientras que otras vertieron todo su arte literario en un epistolario que todavía hoy nos asombra, como «Madame» de Sévigné. Algunas fueron muy religiosas, como «Madame de Longueville», que «aprovechaba toda oportunidad para humillarse que se le presentaba», mientras que otras, como Ninon de L’Enclos, disfrutaron de la vida con pasión incontenible. Algunas, como «Madame» de Lafayette y «Madame» de Sévigné, fueron amigas inseparables mientras que otras, como «Madame» Du Deffand y «Mademoiselle de Lespinasse», se odiaron a muerte. Algunas dejaron una vasta obra literaria, como «Madame» de Staël, mientras que otras, como «Madame» de Geoffrin, apenas escribieron nada.

Entre cisne y nube

De todas se dice que eran muy bellas, aunque viendo sus retratos no siempre a nosotros nos lo parecen: «Madame» de Sévigné, por ejemplo, aparece radiante en el retrato de Lefèbvre; «Madame» de Geoffrin, esplendente en el de Nattier; «Madame» de Staël, voluptuosa en el de Massot, por no hablar de la fascinante «Madame de Récamier» de David (cuyo cuerpo ingrave Magritte convertiría en un féretro sedente) y esa especie de sueño entre cisne y nube que es la «Madame» de Récamier de Gerard, retratos fastuosos e idealizados, como el maravilloso que le pintó Quentin de La Tour a la célebre «Madame» de Pompadour, sobre todo si lo comparamos con los más realistas de Boucher.

Pero realmente ¿es importante que estas mujeres fueran bellas o no lo fueran? ¿No son bellos todos los seres humanos, o lo son al menos para aquellos que les aman? Pienso que cuando se trata de hombres nunca se repara en si son guapos o no, pero me doy cuenta de que no es cierto, y que al hablar de Pushkin siempre se menciona su tez agitanada y al hablar deKeats su pequeña estatura, y que siempre somos conscientes de que Tolstói era feo y de que Lord Byron era guapo aunque tenía un pie deforme. Somos, en fin, materialistas y vanos.

Ya decíamos, hace unas semanas, que Renoir iba a convertirse en uno de los protagonistas del otoño artístico en España. Abrió plaza la Fundación Mapfre el mes pasado con una muestra en su sede de Barcelona, que reúne 40 obras del pintor francés (más 30 de otros artistas), todos ellos préstamos de los Museos d’Orsay y de l’Orangerie de París, que atesoran la mayor colección de Renoir, tras la Fundación Barnes de Estados Unidos. Ahora le toca el turno al Museo Thyssen, que también ha organizado una monográfica del pintor. En este caso podrán admirarse, hasta el 22 de enero de 2017, 78 obras, procedentes de museos de todo el mundo, como el Metropolitan de Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Getty de Los Ángeles, el Pushkin de Moscú o la National Gallery de Londres, entre otros. La muestra, que cuenta con el mecenazgo de Japan Tobacco International, viajará después al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

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«Después del almuerzo», de Renoir- STÄDEL MUSEUM, FRÁNCFORT

Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen y comisario de la exposición, explica que Renoir, pese a ser uno de los más grandes pintores de la Historia y uno de los más grandes maestros del impresionismo, junto a Monet, «sigue siendo un incomprendido, detestado por muchos. Salvo algunos de sus iconos, su obra no ha llegado del todo al público». En contra de lo que suele pensarse, que es un pintor demasiado fácil, cree Solana que «se ha vuelto el más difícil de los impresionistas. Por eso hemos hecho esta exposición tan tarde, después de las dedicadas a otros impresionistas y postimpresionistas: Sisley, Monet, Pissarro, Van Gogh, Cézanne, Caillebotte... Y las seguiremos haciendo. Me ha costado mucho escribir el texto sobre Renoir para el catálogo, ha sido muy complicado».

Contra intelectuales y feministas

Retrata el comisario al artista como un hombre que priorizaba los sentidos por encima de todo, que tuvo prejuicios contra los intelectuales («creía que eran tarados, incapaces de ver, oler, tocar..., gente a la que no le funcionaban los sentidos») y cuyas declaraciones antifeministas tampoco le favorecieron. Prefería que las modelos no pensaran. Pese a que la vida no le trató demasiado bien (único de los impresionistas cuyo origen fue humilde, padeció al final de su vida una artritis reumatoide que deformó sus manos y le dejó inválido), «su obra siempre tiene un espíritu celebratorio, es un himno a la vida». El heroísmo de Renoir no consistía, precisamente, en hacer una pintura trágica, sino gozosa, placentera. El intenso dolor que padecía solo se mitigaba mientras pintaba. «Me gustan los cuadros que me dan ganas de pasearme por ellos. La obra de arte debe apresarte, envolverte, llevarte», decía.

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«El almuerzo de los remeros», de Renoir- ART INSTITUTE, CHICAGO
 

El título de la exposición, «Renoir. Intimidad», se debe a un rasgo central en todas sus obras: el deseo deproximidad, de cercanía, la intimidad y empatía con sus modelos. No solo humanos, puntualiza Solana, también con las manzanas o un ramo de rosas. «Entraba en sintonía con todo lo que pintaba. Y traslada esa intimidad al espectador, que se siente invitado a la escena pintada».

Intimidad y sensualidad. Una pintura que invita a los sentidos: no solo el visual, también el táctil. Muchas de sus modelos, carnales y voluptuosas, juegan con sus largas melenas que enredan entre sus dedos. «Mi padre miraba las flores, las mujeres, las nubes del cielo como otros hombres tocan y acarician», escribió Jean Renoir.

Una mirada a los clásicos

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«La fuente», de Renoir- COLECCIÓN E. G. BÜHRLE, ZÚRICH

Dividida en seis apartados, dos de las salas del Museo Thyssen muestran su faceta como pintor impresionista, las más conocida. Pero tan solo permaneció en el grupo de 1869 a 1880. A esta etapa pertenecen préstamos tan destacados como «Después del almuerzo», «Almuerzo en el restaurante Fournaise (El almuerzo de los remeros)», «Baños en el Sena» o «Retrato de la mujer de Monet». Pero, como les pasó a otros muchos de sus colegas (Picasso incluido), regresó al orden, sintió que debía volver la mirada a los clásicos: Rafael, Miguel Ángel, Ingres...

Advierte Solana que en esta exposición «será un descubrimiento el Renoir retratista. Aunque es irregular. Junto a retratos geniales, si no tenía empatía con el retratado sus obras solo eran aseadas, no eran geniales». Hizo numerosos retratos por encargo de la alta sociedad parisina de la época, entre ellos varios miembros de la familia de Paul Durand-Ruel, el marchante francés que más apoyó al grupo impresionista. No falta una selección de suspaisajes, un descanso en su casi obsesiva dedicación a la figura humana.

La intimidad está presente en la muestra de dos formas bien distintas. En realidad, de tres. Por un lado, sus escenas de género protagonizadas por mujeres en la intimidad de su casa dedicadas a los placeres cotidianos: en la toilette, cosiendo, leyendo, tocando un instrumento... Por otro, escenas domésticas familiares centradas en su esposa, Aline; sus hijos (Pierre, Coco, Jean) y la niñera de estos, Gabrielle, una de sus modelos favoritas; o Andrée Heuschling, quien acabó casándose con Jean Renoir. En la última etapa de su vida, este viejo voyeur se cuela en la intimidad de unas jóvenes y lozanas bañistas, que exhiben sin pudor sus voluptuosos cuerposdesnudos. El impresionismo no abordaba el desnudo, pues lo consideraba académico. Sin embargo, Degas y Renoir hicieron caso omiso y desnudaron a sus musas. «Renoir se reconcilia con la tradición -comenta Guillermo Solana-, reaprende la pintura de la mano de Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Rubens... Se midió con los maestros antiguos para hallar un lugar en la tradición. Pero sus desnudos son aún mal comprendidos».

Multisensorialidad

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«Mujer al piano», de Renoir- ART INSTITUTE, CHICAGO

Cierra la exposición una pequeña sala multisensorial, «Un hermoso jardín abandonado», en la que se ha hecho una reproducción táctil de una de las obras que cuelgan en la exposición,«Mujer con sombrilla en un jardín», de la Colección del Museo Thyssen, que el visitante podrá tocar como haría un invidente. También se puede oír el canto de los pájaros u oler el aroma de rosas, amapolas, lirios, margaritas o simplemente la hierba. «Puede parecer algo naif, pero seguramente le habría gustado a Renoir», apunta el comisario.

Preguntado acerca de la exposición que la Fundación Mapfre dedica a Renoir en Barcelona, dice Solana: «Esta exposición cubre toda la producción del artista con préstamos de museos de todo el mundo. La de Mapfre es una selección de una colección, la de los Museos d'Orsay de l'Orangerie. Al igual que la que hizo el Prado en 2010 con fondos de la colección Clark. Pero, para mí, una retrospectiva no es una selección de tesoros de una colección. Es otra cosa: se solicitan préstamos allá donde estén». La muestra se completa con un ciclo de cine: todos los sábados, del 5 de noviembre al 10 de diciembre.

Pierre-Auguste Renoir siempre se ha caracterizado por ser uno de esos pintores impresionistas en los que la "sensualidad" y "la alegría de vivir" han sido una constante en su obra. Sin embargo, a pesar de ser uno de los artistas más reconocidos de este movimiento pictórico, a día de hoy sigue siendo un incomprendido. "Queremos entrar en sintonía con lo que pintaba. Eso es lo que llamamos intimidad y eso es lo que queremos trasladar al espectador", apunta Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen de Madrid y comisario de Renoir: intimidad, una retrospectiva que reúne alguna de las obras impresionistas más emblemáticas del francés, junto a su abundante producción como retratista, autor de paisajes y de escenas íntimas.

Marcado por los estragos causados por los conflictos bélicos, Otto Dix (1891-1969) recurrió al dibujo y a la pintura como una forma de reflejar la situación extrema que le tocó vivir en Alemania. Considerado como el detractor de la guerra por sus estremecedoras imágenes, fue elogiado en su momento, pero al mismo tiempo incomprendido, condenado y destruido. No obstante, en la actualidad es visto como uno de los artistas alemanes más trascendentes del siglo XX.

Por esa razón, y a propósito del Año Dual México-Alemania (2016-2017), se pensó en diseñar una exposición retrospectiva de este genio creador que llevara el título Otto Dix. Violencia y pasión, la cual se podrá visitadar a partir de hoy y hasta el 15 de enero.

La muestra, integrada por 162 piezas entre pintura, acuarela, grabado y dibujo, abarca desde la obra temprana de Dix hasta sus creaciones más consolidadas, en las que se presenta el devenir de la sociedad alemana de aquellos años, marcada por dos guerras mundiales, la censura nazi y la división de Alemania.

“Otto Dix fue espectador, víctima y protagonista de la guerra”, aseguró Ulrike Lorenz, curadora de la exposición y directora de la Galería de Arte de Mannheim.

En el recorrido por la muestra, la especialista dijo que en los primeros trabajos del pintor se aprecia la influencia de las corrientes artísticas de los primeros años del siglo XX en Europa.

El casco urbano de Lekeitio, una preciosa localidad costera de Bizkaia, esconde en su subsuelo una maravilla del Paleolítico que hasta el pasado mes de mayo apenas se conocía. Un santuario de arte rupestre definido por sus descubridores como "el conjunto de grabados más espectacular e impactante de toda la Península Ibérica".Medio centenar de obras creadas hace 12.000 o 14.500 años que se caracterizan por una técnica "insólito" y por su particular composición.

"Es una maravilla, un tesoro de la humanidad", ha explicado este jueves el diputado general de Bizkaia, Unai Rementeria, que ha sido el encargado de hacer público este hallazgo liderado por los expertos de la Diputación vizcaína en la cueva de Armintxe.

Se trata de una cueva que era conocida desde hace tiempo por los vecinos de Lekeitio, ya que su boca se encuentra en pleno casco urbano, junto a unas escaleras. Sin embargo, nadie hasta ahora había avanzado 50 metros hasta el punto donde se encuentra un panel de unos 15 metros con 25 grabados de animales. Hay, por ejemplo, un caballo de un metro y medio de largo.

El Museo Picasso de París prosigue su trabajo de revisión y comparación del magno legado picassiano con la obra de sus contemporáneos, proponiendo, desde hoy, una lectura indispensable de las relaciones no solo amistosas entre el genio malagueño y Alberto Giacometti.

Picasso se inició a la escultura contemporánea a través de su diálogo íntimo con Pablo Gargallo y Julio González. Gargallo fue insensible a las sirenas picassianas. González, por el contrario, se dejó arrastrar hacia los abismos de la abstracción escultórica.

Con Giacometti, entre de los grandes maestros de la escultura contemporánea, Picasso sostuvo otro tipo de relación, entre la relación amistosa, desde los años treinta, a la fascinación mutua, hasta el fin.

«Picasso - Giacometti» ha reunido en el Museo Picasso dos centenares de obras maestras de ambos creadores, para intentar rastrear orígenes y fascinaciones comunes, sin llegar nunca a una «comunión» definitiva.

A partir de proyectos como Yo Soy Zapalinamé y Mural Central, el street art ha sido cada vez más aceptado por la sociedad saltillense, tan conservadora y provinciana.

Para algunos de los expositores callejeros, las “pintas” no son el hilo negro. La vertiente más parecida a la de hoy data desde 1904 en Londres. Después la rama que encendió la rebeldía y se convirtió en todo un movimiento, se expandió en los años 60 en Berlín, París y posteriormente en Nueva York con el graffiti.

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